Kopf-Hörer

Klaus Schulze: Big in Japan

2010-12-09T16:29:00.001+01:00

Schulze war in Japan. Davon gesprochen hat er schon lange. Pünktlich zu Weihnachten erscheint nun die Doppel-CD Big in Japan mit beiliegender DVD, und dieses Paket ist tatsächlich etwas für lange, dunkle Winterabende, zudem ein wichtiges, nach den stilistisch so anders gearteten Vorgängern der letzten drei Jahre. — Ein Highlight ist sicher The Crystal Returns, in dem Schulze an eine Platte erinnert, die nicht weniger als 33 Jahre zurückliegt: Mirage (1977), und dies wäre dem aufmerksamen Hörer tatsächlich auch dann aufgefallen, wenn nicht die Namensgebung bereits darauf hindeuten würde. Die zweite Scheibe enthält mit La Joyeuse Apocalypse ein raumgreifendes Stück mit durchgängigem rotem Faden - dieser fehlt hingegen, mit Verlaub, in Sequencers Are Beautiful - 39 Minuten, die arg undurchsichtig sind. — Interessant ist auch die DVD. Sie zeigt, dass Schulze tatsächlich die wenigstens Passagen selber spielt, sondern eigentlich nur einzelne, vergleichsweise kurze Abschnitte. Der Rest kommt aus Computern. Aber das schmälert die Leistung nicht. — Fazit: lohnt sich!

Essentials?

2010-12-03T11:52:00.000+01:00

Was Schulze angeht, so ist es zweifellos schwierig, sich einen Überblick über nunmehr 40 Jahre zu verschaffen, über Phasen und Richtungen. Wo anfangen? Ich gebe mal eine 10-Punkte-Liste. Die Reihefolge ist chronologisch.

Timewind (1975, darauf "Bayreuth Return")
Moondawn (1975, darauf "Floating")
die beiden Body Love Alben (1977)
X (1978, darauf "Friedemann Bach"¹)
En=Trance (1988, das ganze Album)
In Blue (1995, insbesondere die zweite Scheibe)
Jubilee Edition (1997, CD1 "Tradition und Vision" sowie CD25 "Nuff Said")
Drums 'n' Balls (1997, ein Wahnfried-Album, darauf "House of India")
Ballett 1 (2001)
Rheingold (2008, darauf "Alberich" und "Nibelungen")

¹ Dieses Stück ist später auf der Ultimate Edition CD42 noch einmal unter anderer Abmischung erschienen und heisst dort "Get the car Harry". Mir gefällt dieses dort besser.Alle ausblenden

Ruhe, vermeintliche.

2010-11-02T14:15:00.000+01:00

Die Ruhe hier täuscht ein wenig. Es gäbe durchaus eine ganze Reihe Material, über das man schreiben könnte, darunter Laurie Andersons Homeland, Klaus Schulzes Dziekuje Bardzo und Peter Gabriels Scratch my Back (obwohl über letztes schon viel geschrieben wurde ...) — Aber Material will auch gehört und begriffen werden. Und das braucht einerseits seine Zeit, andererseits auch die rechte Stimmung, und vielleicht ist die kommende, dunkle Jahreszeit gerade richtig dazu.

Nichts gehört.

2010-06-09T09:31:00.002+02:00

Gestern hat AC/DC in Bern gespielt und normalerweise höre ich so etwas bestens, der Veranstaltungsort ist Luftlinie nur etwa 3km entfernt. Aber gestern? Nichts. Es scheint also, wenn man mich fragt, eher eine dieser leiseren Bands zu sein oder vielleicht haben sie auch unplugged gespielt. Man lässt sich ja heute einiges einfallen, um das Publikum bei Laune zu halten ...

Nie.

2010-04-03T09:35:00.004+02:00

Was man zu Ostern trotz vielerlei Sendungen merkwürdigerweise nie im TV hören und sehen wird, ist Gustav Mahlers 2.Sinfonie. — Warum?

Gesucht - gefunden.

2010-01-27T07:15:00.005+01:00

Die meisten Suchanfragen hier beziehen sich interessanterweise auf Edw*rd Elg*rs Cello- bzw. Violinkonzert, beinahe täglich. Das ist wirklich überraschend, finde ich. Man sollte beiden gar nicht solche Popularität zutrauen. — Man muss allerdings aufpassen mit solchen Statistiken. Möglicherweise hat nur irgendein zum Star erklärter Interpret eine neue CD herausgebracht und man sucht den Star, nicht das Werk, was heute wahrscheinlicher ist.

Wolfram Spyra: Future of the past.

2010-01-20T13:09:00.004+01:00

Man entdeckt ja nicht mehr viel Neues, das der Erwähnung wert wäre. Und "neu" ist überhaupt ein relativer Begriff. Aber manchmal, nach über zehn Jahren, findet man eben doch noch etwas Seltenes, und dafür sind Internetstreams mit fünf Hörern wahrhaft eine gute Quelle. — Spyras Future of the past (1997) hält auch mehrmaligem Hören stand und wird dabei noch immer besser. Interessant daran ist, dass es tatsächlich ebenso frisch daherkommt wie es einen an frühere, fast noch analoge Zeiten erinnert. Es macht damit seinem Namen alle Ehre.

Neuerliche Erkenntnis.

2009-12-30T17:20:00.003+01:00

Man sollte seinen CD-Schrank einfach nicht offen und für jeden sichtbar stehen lassen. Jedenfalls nicht, wenn Besuch da ist. Es endet nie gut.

Festungshaft.

2009-12-25T11:58:00.003+01:00

Mal ehrlich, Celine Dion gehört wegen ihrer diversen Weihnachtslieder-CDs mit Festungshaft nicht unter 25 Jahren bestraft. Und zwar mit anschliessender usw. Am besten in einer Zelle mit den Red Hot Chili Peppers, aus Gründen der Charakterbildung. Das ist dann halt Pech für die Peppers. Aber vielleicht ist sie ja nett, so als Mensch.

Geschmacksfrage.

2009-11-29T17:48:00.003+01:00

Ich muss ehrlich sagen, mir gefallen die Sachen, die Schulze früher mit Tiepold macht hat, vielfach besser als die heutigen Experimente mit Gesang. Schulze und Tiepold - zusammen zu hören beispielsweise auf Ballett 1 (2006), Live @ Klangart (2001) und lange zuvor bereits auf Dune (1979) - ergänzen sich perfekt und auf gleichem Niveau. Es entsteht oft etwas von grosser Wärme und Ausdruckskraft. Das fehlt mir ganz ausdrücklich auf Farscape und Rheingold.

Suchanfragen.

2009-11-24T08:04:00.004+01:00

Es ist interessant, die am häufigsten verwendeten Suchanfragen hier lauten Ricochet und En=Trance — Platten, die mehr als 30 bzw. mehr als 20 Jahre alt sind. Sicher jeden dritten Tag kommt eine neue Anfrage.

Neumodisch.

2009-09-30T07:26:00.006+02:00

Also wenn man mich fragte, aber man fragt mich ja nicht ... zum Glück ... ich kann mit Oper allgemein, die für mich oft auch etwas Albernes, Lächerliches hat, insbesondere aber mit diesen neumodischen Inszenierungen, die den Charakter von Grossevents tragen, auch rückseitig übrigens, nicht viel anfangen. Sicher, die Kritik wird ausschliesslich positiv sein. Es werden Worte fallen wie "einmalig", "gigantisch", "aussergewöhnlich", das ist ja systematisch nie mehr anders. Es hängt einerseits mit dem getriebenen Aufwand zusammen, andererseits auch mit mangelndem Differenzierungswillen und -vermögen bei vielen, die sich dazu äussern. — Worum es mir geht ist die Frage: was soll das? Wo ist der künstlerische Wert? Ist es tatsächlich dermassen notwendig, die Kunst zum vermeintlichen Publikum, quasi ins Leben hinaus zu tragen, wenn der Wiederkäuer eben nicht mehr selbst ins Konzert geht? Ist es Verzweiflung? Oder handelt es sich gar um eine neue Kunstform: Übertragung durch Technik? Ich behaupte, es ist ein Auswuchs, eine Stilblüte - man betreibt etwas, weil man die technischen und finanziellen Möglichkeiten dazu hat, ohne sich selbst über einen Sinn klarzuwerden. Letzteres muss man auch nicht, wenn die Einschaltquote zum alleinigen Kriterium wird.

Radiotipp.

2009-09-15T08:26:00.007+02:00

Die Australian Broadcasting Corporation (siehe voriger Beitrag) bringt seit dem Wochenende schon die "Classic 100" (bereits Vergangenes siehe hier). Sie spielen ganze Sinfonien, eine nach der anderen in voller Länge. Im Moment ist man ungefähr bei Nr. 50 angelangt, es läuft also offensichtlich noch eine ganze Weile, nämlich bis Ende der Woche.

Eine Quelle für Unbekanntes.

2009-09-14T13:43:00.010+02:00

Ich mag Internetradio, d.h. die Möglichkeiten die es hinsichtlich der Vielfalt bietet. Es hat in dieser Hinsicht etwas von Kurzwelle, allerdings weit bessere Qualität.

Zugegeben, was die Programmgestaltung betrifft, so ist es auf einigen Stationen nicht unproblematisch, sofern man überhaupt von "Programm" sprechen mag. Man überlässt dies heute gerne einem Computer, der unter Zuhilfenahme einer Zufallskomponente und meist einer Beliebtheitsstatistik Stücke aus einer Datenbank wahllos hintereinanderhängt. Der dabei benutzte Vorrat erfüllt auf dem Klassiksektor wesentlich die Kriterien alt, kurz, beliebt, wobei letzteres insbesondere auch auf Interpreten zutrifft. Nur den Hörer nicht zu sehr beanspruchen oder gar verschrecken, ruhig auch mal etwas wiederholen. — Dieser endlose Multimediabrei ist gewissermassen Un-radio, aber das findet der an Radio interessierte Hörer leicht und schnell selbst heraus. Es gibt aber eben auch sehr brauchbare Stationen, z.B. Australian Broadcasting Corporation Classic FM1, Radio New Zealand Concert (ich erinnere mich an eine abendliche Aufführung von Bruckners 6., die ich einst im Autoradio des Campingbusses hörte), NRK Alltid Klassik (Norwegen), Sveriges Radio - SR Klassiskt, die man lange und immer wieder hören kann. Einen australischen oder amerikanischen Sender hört man in Europa natürlich meist im Nachtprogramm.

Viele Sender machen Wunschsendungen, um möglichst nahe am Hörer zu sein. Es gibt sogar Hitparaden, auch wenn man sich noch ziert, es so zu nennen. Diese Sendungen haben trotz aller Bedenklichkeiten ein grosses Plus: man bekommt gelegentlich Stücke zu hören, die man möglicherweise nicht kennt, selten gespielte Sachen — Vaugn-Williams, Webern, Schönberg, Enescu, gelegentlich Skandinavier. Selten detailliert, selbstverständlich, auch immer nur kurz, aber vielleicht merkt man sich doch ein Stück und sucht demnächst im CD-Laden einmal explizit danach.

Im Kopf (II)

2009-09-09T07:15:00.004+02:00

Seit ein paar Tagen, vor allem morgens, spielt in meinem Kopf Bruckners Neunte. Meist die letzten Takte des dritten Satzes mit ihren langsamen, sehr langsamen, ganzen Noten. Ganz von allein.

Elgar Violinkonzert/Cellokonzert

2009-08-27T17:15:00.003+02:00

Ich besitze eine CD mit Aufnahmen aus den Jahren 1932 und 1928, Edward Elgar: Violinkonzert und Cellokonzert, ersteres mit Menuhin, Elgar selbst am Dirigentenpult, alles in Mono selbstverständlich, sehr wahrscheinlich aus einzelnen Stücken zusammengesetzt und arg dumpf. Und trotzdem sind mir diese Aufnahmen lieber als spätere. Das Schwere, Melancholische beider Werke kommt hervorragend zum Vorschein und wirkt tief. Elgar muss es gut verstanden haben, den vergleichsweise jungen Solisten das zu vermitteln und tatsächlich begreiflich zu machen.

Gedudel, endloses.

2009-07-19T18:42:00.006+02:00

Gerät man durch Zufall einmal unverhofft auf ein innerstädtisches Festival der Drehorgelspieler — man konstatiert nach einiger Zeit ganz unwillkürlich, dass einem das selbstauferlegte Wertschätzen der Vielfalt in der Kultur, im Leben, manchmal wirklich harte Prüfungen auferlegt.

Entstaubt.

2009-06-28T14:38:00.003+02:00

Manchmal findet man heute auf merkwürdigen Wegen zu uralten, unveröffentlichten Aufnahmen, meist Live-Konzerten, z.B. Tangerine Dreams Klangwald (Köln 1972). Und möglicherweise ist der einzige Grund ihres Schattendaseins vielleicht der, dass es damals kein Medium gab, auf dem man solches Material hätte veröffentlichen können, später aber vermeintlich nur noch eingeschränktes Interesse. Und dennoch bin ich froh darüber, dass es solche Aufnahmen und Zeitzeugen noch gibt, dass sie nicht vergessen gegangen sind über mehr als 30 Jahre, Stilbrüche und Zeitenwenden.

Flashback.

2009-06-08T14:48:00.002+02:00

Merkwürdig, sich im Jahre 2009 noch 40 Jahre alte Pink-Floyd-Platten zuzulegen und dennoch irgendwie darin zu Hause zu sein. Cirrus Minor, One of these days, Echoes — Erinnerungen an die Kindheit. Merkwürdig auch, mit wie wenig Aufwand diese Platten produziert worden sind. Von elektronischen und doch so Pink-Floyd-typischen Spezialeffeken keine Rede, statt dessen — Blechbläser!

Klaus Schulze: En=Trance

2009-05-05T18:05:00.004+02:00

Dieses als eines der letzten noch 1987 auf Vinyl erschienenen Doppel-Alben ist etwas besonderes. Ich behaupte, es ist der Versuch einer klassisch viersätzigen Sinfonie mit allem, was dazugehört, sogar mit einer grossen, inneren Steigerung bis hin zu einem richtigen Finale. FM Delight war das erste Stück überhaupt, das mich von Schulze überzeugt hat. Es lief bis 1990 gelegentlich im Radio (es war ein anderes Radio damals). Ich mag aber auch und zwar wegen dessen strenger, genaugenommen jedes Entrinnen unmöglich machenden Kontinuität das aufregende, vierte Stück, Velvet System, das sich in Anklängen, durchaus sinfonisch, auf das erste, En=Trance, besinnt. — Ich halte diese Platte für gut geeignet, um mit Schulze zu beginnen. Und man wird wohl kaum behaupten können, man sei am Ende noch derselbe wie am Anfang.

Ohrstöpsel - eine Polemik gegen ein Teufelszeug.

2009-04-23T13:24:00.011+02:00

Ich muss noch einmal darauf zurückkommen und es lohnt sich, sich darüber klarzuwerden: Ohrstöpselkopfhörer verderben den Geschmack!

Ohrstöpsel stellen konstruktionsbedingt und praktisch ohne Ausnahme einen Hochpass¹ dar, der zu signifikanten Einschränkungen im tieffrequenten Bereich führt. Die technischen Ausgleichsmechanismen, die man dazu eingeführt hat, nämlich die Verstärkung tiefer Frequenzen durch das jeweilige Wiedergabegerät, sind in aller Regel eine alberne Spielerei, tauglich zu gar nichts ausser zu weiterer undefinierter Verzerrung des Frequenzganges und Erhöhung des Klirrfaktors. Die Endstufen sind dem oft gar nicht gewachsen. Und man setze einmal einen echten Kopfhörer auf, geschlossenes System versteht sich, um den Unterschied zwischen Lautstärke und Volumen zu begreifen.

Ohrstöpsel führen ferner zu der Tendenz, Musik in Bewegung zu hören, in Unruhe, in Umgebungen voller Lärm und Ablenkungen, d.h. notgedrungen lauter und immer lauter, zudem auch mit immer geringerer Dynamik. Man verlernt völlig, mit Dynamik umzugehen, sie als wertvolles künstlerisches Mittel zu begreifen. Ich behaupte, das fällt auch auf Musiker zurück, die sich an Hörgewohnheiten anpassen zu müssen glauben.

Drittens gerät der Hörer in die Versuchung, sich aufgrund der hinzugewonnenen Mobilität ohne Pause einem Hörgeschehen auszusetzen, was eine Auseinandersetzung mit dem, was er eigentlich hört, in Echtzeit erfordert, so dass an das musikalische Material notgedrungen keine allzugrossen Anforderungen gestellt werden dürfen. (Man versuche, mich zu widerlegen!)

Und wer überwiegend an der Entwicklung dieser speziellen Bauform von Kopfhörern interessiert war und warum, ist noch eine offene Frage ...

¹ genaugenommen einen Bandpass, aber die Obergrenze ist irrelevant

Pennsylvania im Film.

2009-04-13T07:52:00.003+02:00

Eine langsame, amerikanische Filmmusik, die nicht Anklänge von Aaron Coplands ganztönigen und pennsylvanischen Melodien verwendet, muss erst noch erfunden werden.

Concertophon.

2009-04-12T08:50:00.007+02:00

Gestern Abend ein echtes Grammophon in Aktion erlebt. Es handelte sich um ein "Concertophon", hergestellt in Bern (leider ohne Angabe zum Baujahr, etwa 1925), ein transportables, rein mechanisches, d.h. gänzlich unelektrisches Gerät in einem Holzkasten mit Kurbel und Tragegriff, 78 Umdrehungen pro Minute. Nichts für sensible Ohren, vorallem wegen deutlich hörbarer Hochs und Tiefs im Frequenzgang, aber doch beachtlich, wieviel ausgeklügelte Tüftelei in so einem Kasten steckt und was man aus 80 Jahre alten Schellackplatten noch herausholen kann. Leider pflügt die Nadel doch erheblich auf den Platten - man kann die Späne mit blossem Auge sehen! Man könnte sie per Mikrophon digitalisieren.

Selten.

2009-04-03T09:05:00.007+02:00

Einige Werke leiden erheblich darunter, dass es von ihnen ausnahmslos nur seltene Aufnahmen gibt, vielleicht nur eine einzige. Manchmal ist es für das Verständnis wesentlich, Unterschiede an mehreren Aufnahmen festzustellen zu können. Manchmal ist selbst unter einer ganzen Anzahl von Aufnahmen nur eine darunter, bei der man sagen könnte, hier liege tatsächlich tiefes Verständnis vor. Und es ist interessant, auch historische Aufnahmen vor allem des Zeitgeschmacks wegen diesbezüglich zu untersuchen. — Opfer der Seltenheit sind beispielsweise Respighis Sinfonia Drammatica - ich kenne nur eine einzige Aufnahme, sowie z.B. schweizer und etliche skandinavische und baltische Komponisten. Kandidaten für vergleichsweise selten wirklich gute Aufnahmen (trotz umfangreichem internationalen Angebots) sind Bruckner und insbesondere Sibelius, behaupte ich.

Mysteriös.

2009-04-03T07:22:00.005+02:00

Was hat das zu bedeuten? Der renommierteste Klassik-CD-Laden in der Stadt verlegt seine CD-Abteilung vom Erdgeschoss in die erste Etage, schrumpft diese ein wenig und verkauft nun im gesamten Erdgeschoss Bücher.

Kurz bemerkt.

2009-03-25T07:02:00.004+01:00

"In der Langsamkeit liegt der Reichtum."
(Celibidache zu Studenten, Film "Der Garten des Sergiu Celibidache")

Schostakowitsch Sinfonie Nr.11

2009-03-20T07:55:00.000+01:00

Was Schostakowitsch betrifft, so ist mir bzgl. seiner Elften immer eine strukturelle und klangliche Parallele zu Mahlers Erster aufgefallen. Ich habe darüber noch nie etwas gelesen, aber für mich ist es offensichtlich: die lang gedehnten Schwebetöne im ersten Satz, der Trauermarsch unter Verwendung eines Liedes im dritten Satz, die auffälligen Rückerinnerungen im vierten ... Ich behaupte, Schostakowitsch hat hier absichtlich seinem grossen Vorbild ein interessantes Denkmal gesetzt.

Klaus Schulze: In Blue

2009-03-03T07:45:00.005+01:00

Eins der vier Alben, die Mitte der 90er Jahre auf dem ZYX-Label entstanden, und dabei eins der künstlerisch hochwertigsten aus über 35 Jahren. Es ist wie ein Zug, in den man einsteigt und der einen mitnimmt auf eine lange Reise, mal schneller, mal langsamer. Die drei Stücke sind deutlich miteinander verwandt, der Höhepunkt liegt aber zweifelsfrei auf Return of the Tempel, worin Schulze und Göttsching sich beeindruckend ergänzen - man kann die Spielfreude heraushören, in jedem Moment, und wird als Hörer unweigerlich davon angesteckt (ein untrügliches Merkmal für ein gutes Album). Und man könnte nicht sagen, wer wen dominiert. Interessant ist, aber das bemerkt man nur bei genauem Hinhören, dass auch Göttschings Gitarre, die übrigens im Klang eher spartanisch wirkt und praktisch auf elektronische Effekte verzichtet, offensichtlich im Mehrspurverfahren aufgenommen ist, denn gelegentlich sind es mindestens zwei gleichzeitig. Sehr gelungen fand ich auch immer den Übergang zwischen den beiden Tracks 2 und 3 und man ist sogar fast geneigt anzunehmen, Schulze hätte auch zwischen den Tracks 1 und 2 einen solchen Übergang hinbekommen, wenn nicht dummerweise der notwendige CD-Wechsel dies verhindern würde.

Neuerdings gibt es ein Re-Release von diesem Album, das noch eine dritte CD mit Bonus-Tracks enthält, unter anderem eine Live-Version von Return of the Tempel. Wer hingegen mit Schulze aufgewachsen ist, muss sich leider notgedrungen mit dem Original zufriedengeben ...

Perkussion, ungenügende.

2009-02-24T07:57:00.004+01:00

Es gibt gelegentlich Situationen, die einen sehr präzisen, d.h. harten, scharfen Schlag oder Wirbel auf einer Pauke oder Grossen Trommel erfordern, z.B.

Tschaikowskis Sechste, erster Satz, oder
Brahms' Erste, am Beginn des vierten Satzes, oder
in seiner Vierten sehr effektvoll am Ende des zweiten Satzes, oder
Mahlers Zehnte, während des letzten Aufbäumens am Ende des letzten Satzes, wo man in einigen Versionen (z.B. Mazzetti) einen wunderbaren, einzelnen Paukenschlag verwendet,
von seiner Sechsten einmal abgesehen, bei der er selbst sich erhebliche Gedanken um einen ganz besonderen Klang gemacht hat.

Ich bedaure immer sehr, dass man dies sehr oft mit viel zu weichen und offensichtlich grossen Filzkugeln an den Schlägeln ausführt, und muss staunen, dass auch namhafte Dirigenten nicht darauf achten. Der Eindruck leidet ganz enorm darunter und verdirbt womöglich die gesamte Aufnahme.

Tschaikowski Sinfonie Nr.6

2009-02-19T07:23:00.006+01:00

Tschaikowskis Sechste, sein letztes und grösstes sinfonisches Werk, lag mir immer sehr am Herzen. Sie klingt noch lange nach. Dabei ist nicht nur jenes sagenhaft schöne Violinenthema des ersten Satzes das Prägende, sondern der in dessen Durchführung mit enormer Kraft hereinbrechende, gewaltige "Konflikt", das "Schicksal", oder wie immer man es (stets unbeholfen und unzureichend) nennen mag, das einen am Ende des Satzes tief erschüttert zurücklässt. Den zweiten Satz empfand ich immer ein wenig seicht, vielleicht eine Rückerinnerung an früher, ans "Leben", ans "Schöne". Der dritte Satz ist mit seinem marschartigen, kraftvollen Charakter hingegen eher vorwärtsgerichtet, gewissermassen vorwegnehmend, dass der vierte Satz zum ersten und damit zum "Schicksal" zurückkehren und dieses wieder aufgreifen wird, ohne seiner jedoch Herr zu werden. Der vierte Satz ist mit all seinen Rückbezügen absichtlich immer ein klein wenig schwächer dimensioniert, d.h. leiser, kraftloser, ohnmächtiger, es geht zugrunde ... — Man vergleiche die Struktur einmal mit Mahlers Neunter, auch mit Brahms' Vierter, obwohl jede natürlich eine andere Antwort sucht.

Ich besitze die Celibidache-Aufnahme, die zweifellos mit ihrem auf volle 25min gedehnten ersten Satz eine Extremposition einnimmt, deren Qualität jedoch dafür spricht. Celibidache ist einer der ganz wenigen, die eher am Werk, an der Musik bleiben als am Papier, die wirklich verstanden haben, wie es gedacht war, wie es wirken soll. So ist es eben keinesweges zu langsam, ist man bereit, Gewohntes tatsächlich einmal loszulassen. Das Allegro im ersten Satz ist mit einem gigantischen Paukenwirbel und schwerem Blech höchst beeindruckend umgesetzt - das ist ein Erlebnis. Demgegenüber steht ein ganz ähnlich ausdrucksvoll interpretierter vierter Satz, der lediglich in den letzten, ganz leisen Takten etwas an Präzision vermissen lässt und eher in einer runden, nebulösen Dumpfheit abstirbt. Das ist ein wenig schade - die "Herzschläge" am Schluss könnte man exakter machen. Ich möchte diese Aufnahme eine Referenz nennen. — Typische, russische (sowjetische) Aufnahmen, Mrawinski, Kondraschin, sind mir hingegen in der Regel zu schnell, zur Erreichung einer Wirkung (vermutlich deshalb) aber gewissermassen überdramatisiert, vor allem im Blech (Trompeten), was möglicherweise auch einen Tribut an die Zeit darstellt.

Tangerine Dream: Ricochet

2009-02-16T07:38:00.008+01:00

Man erinnert sich heute kaum noch an diese alten Aufnahmen, aufgrund des mehrfachen, tiefgreifenden Wandels, den Tangerine Dream sowohl personell wie auch vor allem stilistisch genommen hat. Die langen Stücke zwischen 1975 (Ricochet) und 1987 (Livemiles) bildeten allerdings zweifellos die kreativste und interessanteste Phase. Nach bemerkenswerten, aber eher experimentellen Sachen (vor allem Alpha Centauri) war man um Froese auf Ricochet bei einem künstlerischen Niveau angekommen, das man wahrscheinlich selbst noch kaum richtig begriff (und später auch gelegentlich , z.B. auf Stratosfear, zeitweilig wieder verliess).

Ich finde die A-Seite ausdrucksstärker und dynamischer als die B-Seite. Man ahnt nicht, was man vor sich hat, wenn man die Einleitung hört, und ist noch gewissermassen ausser Atem, wenn die A-Seite ebenso ruhig wieder ausklingt. Die B-Seite kommt mir etwas synthetischer und absichtlich künstlerischer vor. — Dieses Album ist ein sehr progressiver Schritt im Hinblick darauf, was man künftig mit analogen, elektronischen Instrumenten und einem bisschen, durchdachten Rhythmus machen können würde. Es ist heute nur schwer jemandem begreiflich zu machen, dass diese beiden Stücke schon weit über 30 Jahre alt sind und wie merkwürdig sie inmitten der 70er dastehen. Fazit: Unbedingt hörenswert, nach wie vor.

Das verpasste Ende.

2009-02-13T08:35:00.000+01:00

Es ist ein merkwürdiges Phänomen: Schulze verzichtet sehr oft auf ein vernünftiges Ende, ein Ende im Sinne eines Finales. Das verblüfft bei jemandem, der selbst das Wort "Sinfonik" im Munde führt. — Ein Finale, an das man sich erinnert, liegt beispielsweise bei Bayreuth Return (Timewind) vor, auch Velvet System (En=Trance) verfügt über eins. Eine andere Form eines "Schlusses mit Konzept" findet man bei P.T.O (Body Love) und auch bei Into the Blue (In Blue). Sehr oft allerdings lässt er es einfach ausklingen, selbst am Ende grosser Doppelalben, es könnte auch schon zehn Minuten früher zu Ende gewesen sein oder noch zehn Minuten länger gehen. Schade! Vielleicht sein grösstes Defizit.

Klaus Schulze: Rheingold

2009-02-12T08:56:00.003+01:00

Die erste Live-CD nach sieben Jahren ist tatsächlich ein Meilenstein. Rheingold repräsentiert Schulzes aktuellen Stil besser und abwechslungsreicher als das vorausgehende, stellenweise ein wenig finstere Album Farscape, und wirkt etwas lebendiger. Zwischen den beiden Akteuren herrscht eine bessere Ausgewogenheit, finde ich. — Die einzelnen Stücke brauchen eine ganze Menge Zeit, um sich zu entfalten, Zeit, die man ihnen geben muss, aber man kann dabei ihre Entwicklung, das musikalische Geschehen gut und transparent verfolgen. Insbesondere zwischen dem ersten und dem letzten Track (Alberich und Nibelungen¹) spannt Schulze, meine ich, einen weiten, musikalischen Bogen. Das viertönig-kurze aber markante Thema von Nibelungen ist etwas, das dauerhaft im Kopf hängenbleibt. Wotan mittendrin ist eine Art Scherzo. — Leider besitzen beide CDs hier und da kleine technische Fehler, aber das ist bei einem Konzertmitschnitt zu tolerieren.

¹ letzteres eine Studioproduktion, Material, das grossteils von Farscape stammt, dort aber von Gesang überlagert und dominiert wird - gut, dass dieses Stück noch einmal erscheint

Hinweis: man benötigt tatsächlich einen anständigen Kopfhörer. Diese kleinen, üblichen Ohrstöpsel sind für diese CD nicht tauglich, es gehen wesentliche Frequenzanteile vor allem im Bassbereich verloren.

Mahler Sinfonie Nr.2

2009-02-10T08:22:00.007+01:00

Sensibilisiert durch die Erste war ich erfreut, dass ich die Zweite eines Abends im Radio hören könnte. Es war ein Konzertmitschnitt aus Boston, der mich sehr beeindruckt hat.

Ich habe die Zweite inzwischen zweimal selbst im Konzert gehört und gesehen, und es ist schon aussergewöhnlich, die Pauken, den grossen Gong und die übrige Perkussion in Aktion zu erleben, das berührende Urlicht, dazu im letzten Satz das Fernorchester, die ständig wortwörtlich fortschreitende, auf das Ziel hin gerichtete Bewegung und Entwicklung, und dann den Moment, in dem unmerklich leise, auf dass man es kaum bemerke, mit grosser Wärme der Chor einsetzt ... Das Finale (jenes "Sterben werd ich, um zu leben") klingt noch tagelang im Kopf. Ich habe mich damals gewundert, dass man im Finale nicht die grosse Orgel der Dresdner Kreuzkirche benutzt hat, sondern vorn im Orchester eine eigene, transportable Orgel stehen hatte.

Meine erste Aufnahme war die von Kaplan. Ausser dieser habe ich je eine von Klemperer und Walter sowie eine von Sinopoli. Ich muss sagen, die Kaplan-Aufnahme ist mir noch immer die liebste, trotz aller Skurrilität (z.B. den beigemischten Glocken, die gar nicht vom Aufnahmeort stammen) — sie ist gut, vor allem vom Tempo her. Die Tempo- und Dynamikwechsel bei den Vorwegnahmen des Finalthemas während des ersten Satzes sind dringend notwendig, aber bei vielen Aufnahmen viel zu wenig und quasi enttäuschend ausgeprägt.

Mahler Sinfonie Nr.1

2009-02-08T11:54:00.006+01:00

Die erste Sinfonie von Gustav Mahler war meine erste eigene CD mit klassischer Musik. Eine Aufnahme mit Herbert Kegel und der Staatskapelle Dresden. Ich kaufte sie im Sommer 1995 bei Musik Hug in Zürich, eigentlich ohne eine richtige Vorstellung davon zu haben. Ich hatte die Erste bei meinem Vater gehört, aber das war viele Jahre her.

Und ich mochte sie von den ersten Takten an. Dieser merkwürdige Schwebeton ist etwas Besonderes, er zwingt zur Ruhe, zum Stillwerden und erzeugt eine gewisse Spannung bis zu den markanten Hörnern, die unverkennbar böhmisch sind. Und dieser Schwebeton ist es auch, dem man bei den grossartigen, weit gespannten "Rückerinnerungen" im vierten Satz wiederbegegnet. Im Finale ist ein bisschen viel Becken, für meinen Geschmack. Ganz am Ende, in den letzten zwei, drei Takten, gibt es einen Wirbel auf der Grossen Trommel, auf den man Acht geben sollte. Leider geht dieser in vielen Aufnahmen einfach unter.

Ich habe heute noch mindestens zwei weitere Aufnahmen, eine mit Rattle (inkl. Blumine) und eine mit Solti, die jeweils ihr Für und Wider haben, aber die Kegel-Aufnahme höre ich immer noch gern.

Ein Wort zu Karajan.

2009-02-07T07:25:00.009+01:00

Ich bin zu jung, um Karajan als Zeitgenosse bewusst miterlebt zu haben. Ich kenne ihn nur von den zahlreichen Aufnahmen, die aktuell¹ auch gerade eine gewisse Renaissance erleben. Ich werde allerdings nicht richtig warm mit ihm.

Die von ihm inszenierten Filmaufnahmen sprechen eine eigene, sehr merkwürdige Sprache: das Orchester eine anonyme, oft absichtlich unscharfe, zu 100% männliche, graue Masse, man sagt - die Herren haben Toupes tragen müssen, er konnte Glatzen nicht ertragen - das Publikum (wenn überhaupt vorhanden) eine ebensolche Masse irgendwo unscharf im Hintergrund - es heisst, sie hätten bei den Aufnahmen sogar grossflächige Pappaufsteller mit "Publikum" benutzt ... Das einzig Verwertbare und Bleibende an diesen Aufnahmen ist ein kleiner, weisshaariger Mann mit geschlossenen Augen vor dunklem Hintergrund, der die anonyme, quasi maschinelle Tonerzeugung mit seinen sich auffällig mechanisch bewegenden Händen formt und beherrscht. Keinerlei Kommunikation, kein Blick, kein Lächeln, keine in Falten gezogene Stirn, nicht einmal ein Schwitzen. — Ein Roboter selbst.

Und musikalisch? Ich lehne mich einmal aus dem Fenster: abgesehen von seltenen Ausnahmen (Sibelius Violinkonzert ist mir im Gedächtnis) sind mir kaum Aufnahmen bekannt, die mehr als durchschnittlich wären. Eine gar besondere Qualität gegenüber anderen kann ich nicht erkennen, von Karajans eigenmächtigen Verstärkungen der Blechbläser einmal ganz abgesehen. Im Tempo ein menschgewordenes Metronom. Über Karajan gestaunt (wie über einige andere) habe ich nie. Viel Quantität, zugegeben, und viele Gassenhauer darunter.

Ich behaupte, Karajan war vor allem eins: ein zwanghafter Selbstdarsteller und führender Protagonist des Phänomens "Klassikstar". Sein langjähriger Aufenthalt in Westberlin kam ihm dabei mangels nennenswerter Konkurrenz sehr gelegen. Ob die "Klassik" allerdings gerade solcher Stars bedarf, ob ihr damit gedient ist, halte ich für eine offene Frage.

¹ 100.Geburtstag im letzten Jahr, in diesem Jahr 20.Todestag

Neu entdeckt.

2009-02-06T10:37:00.006+01:00

Ein Gang in eine (Medien-)Bibliothek ist immer wieder für eine Überraschung gut. Ich fand vor ein paar Tagen eine CD von Respighi, darauf das a-moll-Klavierkonzert und das Concerto in modo misolidio, beides relativ unbekannte Stücke, aber zu unrecht, wie ich meine. Man unterschätzt Respighi für gewöhnlich. Man merkt dies auch an den Orchestern und Dirigenten, die sich mit ihm befassen — es sind nie die "ganz grossen", etablierten, nicht einmal bei den Pini. Dabei besitzt Respighi grossen und tiefen Einfallsreichtum.

Einmal scharf nachgedacht.

2008-07-24T12:31:00.006+02:00

Musik, die bei mir einen Schalter umgelegt hat, die wirklich ein Meilenstein war? Ich muss überlegen. Ja, vielleicht, ein paar Sachen (chronologisch):

Pink Floyd Cirrus minor, dieses Stück, das in den 70ern oft im Radio kam, hatte eine seltsam-hypnotisierende Wirkung auf mich, aber ich war noch fast ein Kind;
Tangerine Dream Ricochet (vor allem Part One), Qichotte;
Genesis Afterglow und ein paar andere Stücke von ihrem wunderbaren Seconds Out-Album;
Laurie Andersons O Superman, natürlich (sofern man dies überhaupt als Musik anerkennen mag), damit bin ich aufgewachsen;
Klaus Schulze Floating und FM Delight ... vor allem in dem Moment, als Tangerine Dream sich mehr und mehr dem Synthesizer-Pop zuwandte;
Sibelius' Zweite, ich mochte die Geigen vom ersten Moment an immer sehr, vor allem im letzten Satz - später merkte ich, dass es eigentlich Tschaikowski-Geigen waren;
Mahlers Erste, die sass tief, offenbar schon immer;
viel später dann auch Bruckner, ich glaube, es war das geheimnisvolle Misterioso im ersten Satz der Dritten;
Tschaikowskis Sechste;
eigentlich erst im Nachhinein: Lift Die Tagesreise.

Musikalischer Nachtrag.

2008-02-13T12:29:00.001+01:00

Ein Wort, das man als Deutscher in der Schweiz lernt, lautet "Gugge" bzw. "Guggemusik". Guggen erlebt man vor allem in der Fasnachtszeit. Was mich daran seit Jahren ein wenig wundert, sind solche Dinge wie die (trotz zahlreicher Akteure) vergleichsweise geringe stilistische Vielfalt, die verschwindend geringe Anzahl an wirklichen Eigenkompositionen sowie das bemerkenswert offensichtliche Fehlen jeglicher heimatlicher Bezüge, ferner auch die Tatsache, das wohl niemand auf die Idee zu kommen scheint, sinfonisch zu spielen oder auch zu improvisieren, Kunst zu machen. Selbstverständlich, Guggemusik ist Volksmusik, Musik vom Volk fürs Volk, im besten und liebenswerten Sinne, und es ist eine lustige Musik noch dazu, darum die Betonung auf dem Lauten und Rhythmischen (und Falschen), darum die Gassenhauer, darum auch die Kostüme. Aber es sagt ja niemand, dass Kunst nicht ebenso Freude machen könnte oder zwangsläufig kompliziert und unverständlich (und volksfern) sein müsse. Es ist eine Frage, wie man es macht. — Immerhin sah ich in diesem Jahr ein Alphorn, das ist selten.

Ein Gleichnis.

2007-08-10T12:25:00.001+02:00

Würde es mir Herr Rieu tatsächlich übelnehmen, wenn ich behauptete, er verhalte sich zur Welt der klassischen Musik wie Buffalo Bill zur Tierwelt der amerikanischen Prärie? — Ich glaube nicht. Er würde sagen "Ja, und?" und dabei lächeln.

Verstaubt.

2007-07-15T12:26:00.000+02:00

Manchmal, aber es ist naturgemäss sehr selten, entdeckt man mit Hilfe einer Art "Archäologie" in seinem CD-Regal eine verstaubte Aufnahme, die man bereits ein Jahrzehnt oder noch länger nicht gehört hat - man kann sich gar nicht mehr daran erinnern, so lange ist es her. Nicht etwa, weil es sich ohnehin um Vergängliches und Aus-der-Mode-Gekommenes handelte, sondern aus einem einst gefassten und noch immer präsenten Urteil heraus, es handele sich nicht um eine wirklich gelungene Aufführung und Interpretation. Und es gibt in der Tat Aufnahmen, auch unter Beteiligung bemerkenswert grosser Namen, die flach, oberflächlich und manchmal wirklich miserabel sind ... Manchmal aber ist eine darunter, die man heute mit anderen Ohren hört, bei der man heute etwas wahrnimmt, das einem früher nie aufgefallen war, zu dessen Hören man damals offenbar nicht in der Lage war, und man muss sein Urteil revidieren.

Vergebliche Suche.

2006-11-29T12:21:00.001+01:00

Die meisten Personen, die einen unbedarften Blick in meinen CD-Schrank werfen, wenden sich nach wenigen Augenblicken ernüchtert ab. Im harmlosen Falle. Insbesondere nachdem sich jemand die vergebliche Mühe gemacht hat, an etwas aus meinem Schrank unverhofften Gefallen zu finden, bekomme ich auch ungläubige und manchmal sogar genervte Fragen der Art "Hast Du nicht irgendwas ... ?" oder unverholene Vorwürfe "Du hast ja nicht einmal ... !" beispielsweise etwas "zum Entspannen". — Nein, das tut mir leid, ich hab keine Musik zum Entspannen. Ich wüsste gar nicht, woran man eine solche erkennt, denn die, die man üblicherweise eine solche nennt, bewirkt bei mir gerade das Gegenteil. Ich hab auch keine Weihnachts- oder Party-, Stimmungs- oder Hintergrundmusik. Warum auch? Ich hab überhaupt keine Musik zu irgendeinem Zwecke. Musikhören ist für mich eine Hauptbeschäftigung, keine Nebentätigkeit. Und dieses Zu- und Hinhören ist ein aktiver Vorgang, der mit dem Verweilen beim eigenen Inneren zu tun hat, mit Besinnung, einen kurzen Moment lang. Wer hingegen "Musik zum Entspannen" hört, schreckt üblicherweise gerade davor zurück! Nichts für ungut.

Wäre ich ein Dirigent ...

2006-10-23T12:19:00.002+02:00

... hätte wohl selbst Celibidache mich noch als langsam bezeichnet. Man spielt merkwürdigerweise heute für meine Begriffe so gut wie nie zu langsam, aber sehr oft zu schnell, so dass ich mich gelegentlich fragen muss, was so ein Maestro von einem Stück verstanden hat, dass er das Orchester so hindurchprügelt. Zu grosser Sinfonik gehört Zeit, viel Zeit, sonst wird es Kinderkram.

Sonntagsmusik.

2006-09-10T12:17:00.002+02:00

Ob man denn Bruckner überhaupt verstehen könne, wenn man nicht religiös sei. Diese Frage hab ich mir oft gestellt, vielleicht unglücklich beeinflusst von klugen Sachverständigen, die "Gott" an jeder Ecke hervorschauen zu wissen glauben, und von Bruckner selbst. — Man kann, behaupte ich. Man muss nur hinhören, um sich darüber klarzuwerden, dass man es hinter dem musikalischen Einfallsreichtum, der mathematischen Exaktheit und aller immanenten Religiosität letztendlich mit Grundfragen des Lebens selbst zu tun hat, einschliesslich all seiner Kraft, Gewalt, Brutalität, Bitternis, Verzweiflung, aber manchmal eben auch Wärme, Liebe und Schönheit. Eine kluge Frage wäre nun, ob er sich selbst darüber bewusst war. — Eine ältere Dame, die vor Jahren einmal zufällig im Konzert neben mir sass, gab während der ersten fff im ersten Satz der Achten einen stöhnenden Laut von sich. Was hatte sie erwartet?

Von unzureichenden Ausdrucksmitteln.

2006-06-10T11:58:00.001+02:00

Ich hab eine orchestrale Darbietung, bei der der Dirigent keinen Taktstock in der Hand hat, immer als unzureichend und unseriös empfunden. Der Taktstock, dieses der Zauberei entlehnte Ausdrucksmittel unbedingter Macht, das instrument superior, gehört einfach dazu. Was soll ich da mit zwei leeren Händen anfangen? - Das ist ja schon beinahe Betrug.

Unverhofft.

2006-05-06T12:00:00.001+02:00

Wer Laurie Anderson mit eigenen Augen hat spielen sehen, dem wird klar, dass ihre Geige kein simples Instrument mit Saiten und Tönen, sondern ein wundersames Zauberding ist.

Gewissenskonflikt.

2006-03-17T12:01:00.002+01:00

Wie kann es sein, dass man Brahms und Bruckner in einem Schrank stehen hat? Und da dieser noch dazu historisch geordnet ist, auch noch nebeneinander. Ist denn das überhaupt denkbar? Wie kann man beide schätzen?

Anachronismen.

2006-02-04T12:07:00.004+01:00

Man hört sich eine 20 oder 30 Jahre alte Platte an und kann sich noch erinnern, wie sie neu oder beinahe noch neu war. Sie kam damals sicher im Rundfunk, beide Seiten - es war ein anderer Rundfunk damals. Und man hält es kaum selbst für möglich, dass es schon so lange her ist. Was hat man in dieser Zeit alles gemacht? Und gehört? Und hören müssen? Und insbesondere verblüfft man Unwissende damit, die meinen, diese Musik könne doch nur ein oder zwei, höchstens fünf Jahre alt sein. Als ob Kreativität vor längerer Zeit ausgeschlossen wäre.

Misterioso.

2005-09-23T12:05:00.002+02:00

Ich hab lange gebraucht, den Zugang zu Anton Bruckner zu finden (und bin mir ob des Erfolges noch nicht einmal sicher ...) Man muss vielleicht erst ein kritisches Lebensalter erreicht und auch einige Reisen unternommen haben, vorher wird es nichts und gerade bei Bruckner nimmt man dann nur noch die "endlosen Wiederholungen" und den "Lärm" wahr. Ein weiterer Schlüssel zum Verständnis sind gute Aufführungen und daran mangelt es bei Bruckner durchaus - noch heute! Ich behaupte allerdings, er ist der umfassendste, kompromissloseste und somit reinste Sinfoniker, der bisher gelebt hat, sogar mehr noch als Mahler. Man muss ihn unbedingt von dieser Seite musikalischer Abstraktheit her sehen, obwohl man gelegentlich auf seine tiefe und "überall heraushörbare" Religiosität, sein Orgelspiel, sein klösterliches Leben und natürlich auf Wagner (den Anti-Sinfoniker) hingewiesen wird. Ich vermute, ihm war selbst nicht klar, wie sehr er sich - in allem - von Wagner unterschied. Bruckner ist naturgemäss noch immer ein Geheimtip - und wird es auch immer bleiben.

Im Kopf.

2005-09-07T12:15:00.002+02:00

Manchmal, in einer stillen Minute, wenn alle physischen Notwendigkeiten versorgt sind, kein dringendes Problem anliegt und Körper und Geist mal kurz in Ruhe gelangen, kommt vielleicht ein Stück Musik zum Vorschein, das ganz für sich allein im Kopf abläuft, ein Thema, eine Sequenz. Nicht immer dasselbe natürlich. Dann muss ich manchmal überlegen, was es ist - Bruckner? Nr.8, Nr.9? Mahler? Tschaikowski Nr.6 oder eine Sibelius-Sinfonie. Es ist vielleicht Monate her, dass ich das Stück zum letzten Mal gehört habe, und doch kommt es im Kopf wieder hervor, ganz von allein - das ist eigentlich Musik. Ich weiss, ehrlich gesagt, nicht richtig, wozu man jetzt all diese kleinen tragbaren Geräte braucht, ich hab sowas gleich eingebaut.